先生がブログに虫様筋のことを書かれていました。

https://ameblo.jp/chipmop1021/page-2.html

なるほど、と思いながらピアノに向かっているここ数日です。

虫様筋を意識する

先生はよく「楽器が教えてくれる」と言います。確かにピアノをスタインウェイにしてから、それをより実感できるようになりましたし、同時に自分の感覚に対しても以前よりも敏感になった気がします。

タッチ、身体や手の使い方、ポジションの等、ほんの少しの違いにピアノが敏感に反応してくれるので、こちらもそれをキャッチして敏感にならざるをえないのです。

虫様筋を意識して、弾いてみると確かに響き方が変わってきました。ただ、私の場合、以前よりはだいぶ筋力がついてきたとはいえ、まだまだ弱いのも確かです。

これは一朝一夕にはいかないので、さらに指の筋トレや毎日の練習を通して筋力をつけていくしかありません。

ピアノに聞きながら修正していく

同時に、気をつけるポイントがたくさんあるので、 なかなか「全部に気が回っていない」状態が起こりがちなのも確かです。

姿勢、肩甲骨、脇から手首までの下側への意識。ポジションは高く、しかも手首の下側の筋肉で支えるイメージで上げる。上から引っ張るようなイメージで上げると、響き方がまた違ってしまいます。

肩・肘・手首は力が鍵盤まで伝わるように。虫様筋を意識する。

１音鳴らすだけだったら良いのですが、そうではないので、音から音への移動の時には、腕から手首の旋回も使っていきます。

こうやって書いていくだえけでも、確かにたくさんの動きを一度に意識しつつ弾いてているんだな、と改めて思いますね。

ピアノが教えてくれることで、「何か違う？」「どこが違うんだろう？」と考えるきっかけになります。

音が上がっていない→ポジションが下がっているかな？
響きが薄い→虫様筋？底を触っている時間が長すぎて響きを抑えている？

「何か違う」と感じることで、一つ一つの要素を振り返ることができます。

生徒さんも楽器と対話できるように

私だけではありません。レッスンにいらっしゃる生徒さんも楽器と対話できるように、と願っています。

ロシアピアニズムの奏法を学びにいらっしゃってくださる方はもちろんのことですが、レッスン時には常にピアノのふたを全開にして、空間の響きを聴こうね、と機会あるごとに幼稚園や小学校低学年の生徒さんにも言っています。

自分の出した音をしっかり聴くことが楽器との対話の第１歩だと思うからです。

せっかくの恵まれた環境、最良の楽器を生かして、自分の勉強も、レッスンもより良いものを求めていきます。

せっかく習っているのですから、ピアノを楽しんでほしい、と思っています。「楽しむ」のもいろいろな観点があります。人間は「自分の成長を実感できたとき楽しいと感じる」のだそうです。それも１つです。

自分の好きなジャンルの音楽を弾いてみる、これも楽しさの１つだと思います。特に、大人の趣味の方などはそうですね。

私はクラシックが専門なので、ポピュラー音楽は詳しくはありませんが、生徒さんたちが「弾きたい」と思う曲に触れ、一緒に楽しんでいきたい、という思いがあります。

好きな曲、探してみます

中学３年生の生徒さん。去年から「気分転換に練習して、ピアノが弾けるようになりたい」とのことで来ています。

弾きたい曲がポピュラー曲だったので、教本で新しいリズム、和音にも慣れていけるように、と「ピアノランド」を選び、３巻に入りました。

忙しい日々ですが、勉強の合間に気分転換に練習しているそうで、両手で弾くことにもずいぶん慣れて、スムーズに弾けるようになってきました。

ふとしたタイミングで「教本がどれくらいまで進んだら、好きな曲が弾けるようになりますか？」と質問がありました。

「今でも、曲によっては弾けるものがありますよ。」ということで、いくつか、たとえばこれというように、手元に楽譜があるディズニーやジブリの曲を例に挙げてみました。

ただ、中学校３年生男子には、ちょっと「子供っぽい」かもしれません。どうやら自分なりに弾きたいと思う曲があるらしい。

「これくらいの感じ。右手がこうで、左手の動きの少ないものなら弾けるよ。」と言うと、「探してみます！」と言っていました。

デジタルネイティブ世代ですから、きっと私よりも上手に検索し、自分にとって魅力的な曲を探し出してくるでしょう。どんな曲を持ってくるのか、私自身もそれが楽しみでもあります。

連弾、伴奏がつくときれいですね

もうお一人は、大人の方です。発表会も「出てみます」ということで、今回は連弾での参加です。

ちょっとおもしろい連弾曲を見つけ、それを弾くことにしました。「きらきらぼし」と「パッヘルベルのカノン」を組み合わせてあります。

生徒さんが弾くのは主に「きらきらぼし」。そこにセコンドパートの私が、パッヘルベルのカノンを入れていく、という感じです。

前回のレッスンで、合わせてみました。細かい音符が入ると、だいぶ雰囲気が変わってきます。

終わって「伴奏がつくときれいですね。雰囲気がずいぶん違います。」と言っていました。

これも、「レッスンに来て弾いているから」こその楽しい体験です。

いろいろな楽しみ方がある

音楽にはいろいろな楽しみ方があります。聴くこともとても楽しい。ただ、自分で能動的に関わるとまた違う楽しさが見えてきます。

ピアノが弾けて、自分で実際に音が出せると聴き方も変わってきます。作曲者や演奏者の細かい工夫に、より気づきやすくなり、今までよりも深く味わえるようになることもあります。

一人ひとりの生徒さんの「楽しさ」に寄り添い、その幅を広げていく。レッスンを通してそのお手伝いができたら、それほどうれしいことはありません。

ピアノを弾く上で、「自分で楽譜を読む力」はとても大切だと考えています。自分で音を確認できて、リズムも取れる、それができると楽譜にある音楽を、実際の音にしていくことができます。

「うたあそび」の中にも、時々その課題がありますし、レッスンの中でも、音符をドレミで言ってみたり、リズム打ちをしてみたり、初めて見た楽譜を音にしていく活動を入れています。

「あかいかわのたにま」を弾く

先日、3月から来始めて4ヶ月が過ぎた小学生のお子さんのレッスンがありました。発表会にも参加する予定ですし、とても一生懸命練習してきます。

前回、「てをたたきましょう」の後半を自分で弾いてきました。今回は「ピアノひけるよ！ジュニア１」の最終曲、「あかいかわのたにま」です。

この曲は３拍目から始まるのでリズムが難しいと感じる生徒さんも多いです。ですから、先にボンゴでリズム打ちの練習をしました。

右手で弾く部分は右手で、左手で弾く部分は左手でたたきます。何回か練習して、上手にたたけるようになってから、ピアノに移動しました。

音符の階名を確認して、実際に弾いていきます。初めて弾くのに、とてもスムーズに弾けていて、私も驚きました。

生徒さん本人もうれしそうです。その後、「うたあそび」のリズム打ちもしましたが、こちらもとてもスムーズでした。

初見奏の課題を弾く

「うたあそび」にも、初見でピアノを弾く課題が、時々入っています。２年生になった生徒さん、「うたあそび」が大好きで、毎回とても楽しみにしています。

時間によって、課題が２つあっても、１つしかできないこともあるのですが、昨日は少し余裕がありました。

「季節はずれ～」と笑いながら、「ゆき」を歌って踊って楽しみました。その後、「初見の課題をどうしようかな？」とこちらが考えている間もなく、生徒さんが「先生、これ、やってみる。」とのこと。

「じゃあ、弾いてみようか。」ということで、ピアノに移動して、課題を弾いてみました。「ゆき」の中で付点をなくして、４分音符のリズムの音だけを拾い出した楽譜です。

「ソソソミ　ミミミド　ミードレミードレ　ミソレミレ…」

時々つまづくことはありながらも、最後まで弾ききりました。「２回目は歌いながら弾いてみようか。」ということで、いっしょに歌いながら弾きました。

「できた～！」と生徒さん本人も大喜びです。

少しずつでも着実に進歩

１回ずつはほんの少しの違いかもしれませんが、読譜力が着実についていることを感じました。

読譜力があるのとないのとでは、ほんとうに大きな違いになってきます。新しい曲に取り組むときの抵抗感がまったく違います。楽譜が読めれば、新しい曲にいろいろ自分でチャレンジすることもできます。

さらに、小学校の伴奏者オーディション。生徒さんがチャレンジしてきて、よく分かりましたが、楽譜をもらってから、オーディション当日までの期間は意外に短いことが多かったですね。

読譜に自信があれば、こういうものにも積極的にチャレンジすることができます。

少しずつでも着実に進歩できるよう、いろいろな工夫をしていきます。

音楽を作っていく上で、「どう感じるか」ということはとても大切です。どんな曲にしていきたいかというイメージを作っていく。

同時に、技術的な側面として、「どうしたらその表現ができるようになるか」ということもとても大切です。

和音の中の一つの音を聴かせたい時

先日、湯山昭「お菓子の世界」の中の「ボンボン」をレッスンしました。この曲は、とてもおしゃれですてきなワルツです。

メロディーは子指で弾く。内声があって、そこを親指と中指で弾く。そんな部分があります。

どうしても、親指と中指のほうが力があるので、子指で弾いているメロディーが聴こえなくなっていました。

「子指の音を意識して聞こえるようにしましょう」では、なかなか聴こえてくるようにはなりません。もちろん、メロディーを意識することは重要な第一段階です。

でも、私自身が受けてきたレッスンを振り返っても、そこで終わっている場合が多かったように思います。

手をどのように使えば、メロディーが浮かび上がるように弾けるのか、ということを示していく必要があります。これがレッスンの重要なポイントです。

手首の位置、手の傾け方、手を鍵盤に入れる時の方向、小指の支えの作り方。こういうことを確認していきます。

歯切れの良い音色にしたい時

同じ「お菓子の世界」の中のチョコバー。こちらでは、フォルテの響かせ方です。メゾピアノから始まり、フォルテまでだんだん強くなっていく。

せっかくですから、同じ音色が並ぶのではなくて、音の色合い、響きも変わっていくと、より魅力的です。

こちらも、手の使い方を話しました。指を伸ばして、支えを意識して斜め奥に入れていく。この手の使い方をすると歯切れの良い響きのフォルテが出ます。

もちろん、肩、肘の使い方も大切です。力がしっかり鍵盤にのるようにします。

自分の引き出しを増やす

私自身の引き出しがどれくらいあるか、ということはレッスンの質に関わってきます。

先日のガブリーロフに一緒に行った、大学時代の先輩でもあり今は同門でもあるピアノの先生も「自分が勉強することで、レッスンが変わったのよ。」と言っていましたが同感です。

どうしたら、自分の持つイメージが表現できるようになるのか？どうしたら、ほしい音が出せるようになるのか？どう手を使ったら弾きやすくなるのか？

それをできるだけ「具体的」に教えることができるようになること、これが大切だと考えて、また私もしっかり勉強していきます。

大人の生徒さん。技術者として、お仕事をなさっている方が、先日のレッスンでこんなことをおっしゃっていました。

芸術は感性が重要だと思っていた

発表会に向けて、とても熱心に練習していらっしゃいました。まだ始めて間もないので、今回は連弾曲ですが、両手の動きのある曲にチャレンジです。

左右1オクターブ違いで同じメロディを演奏する部分の右手ですが、指遣いが良くなかったため、フレーズの途中でポジションを大きく移動することになり、途切れてしまっていました。

いっしょに楽譜を見ながら、「このミは１回めは３の指を使うけれど、２回目は４の指を使って、こう動いていくと途切れません。」とゆっくり確認していきました。

「なるほど。らくに繋がりました。」「指遣いをそれほど意識していませんでしたが、こうやって追っていくと、きちんと弾けるのですね。」

「芸術は感性が重要だと思っていましたが、技術者が設計図を書くみたいなこういう部分があるんですね。」

そうです。もちろん、「感じること」がとても重要であることは間違いありませんが、実は、計画的に行う部分もたくさんあります。

特に指遣いは大切

特に指遣いは大切だと私は考えています。それは、私自身の手が小さいことも理由としてあるかもしれません。

外国版の楽譜の場合、特に多いのですが、「この部分、この指遣いで弾けるの？」と感じることがあります。

また、ゆっくり確実に弾く練習は欠かせませんが、そのときも、指遣いを書き込んであると、常に同じ指遣いで練習することができます。

実は、書き込まずに練習していた時、ゆっくりの練習の時と、テンポを上げて弾いた時の指遣いが違っていて、練習の意味がなかったことがあり、それ以来、指遣いは、最初の段階で書き込むことにしたのです。

レッスンに来ることで分かることがある

「今日、レッスンに来て、どこに問題があるかということと、解決方法がよく分かりました。」と言っていただきました。

同時に、音の出し方をレッスンしている中で、「奥が深いですね。」という感想もおっしゃっていました。

レッスンを始めてから３ヶ月。着実にご自身でも成果を感じています。何よりも、短期間に両手で弾けるようになってきました。

音を楽しむ「音楽」。レッスンに来ることで、近道が分かる部分がたくさんあります。同時に、奥深さを感じる部分もたくさんあります。

だからこそ、楽しい。だからこそ、ずっと続けられるのだと思います。

「一生の趣味にしていきたいです。」とおっしゃって帰っていかれました。お手伝いができて、本当にうれしく思っています。

昨日は自分のレッスンに行ってきました。音色の変化、違いというものについて、大きく学ぶものがありました。

バッハのフランス組曲４番。最初のアルマンド。練習で弾きながら「ここはこういうイメージを作りたい」と 音色について自分なりに考えて、レッスンに持っていきました。

そこに存在するだけの音

実際に先生のピアノで弾いてみると、家で練習したのとはまた違う感覚があります。

ピアノの響き方が違います。フルコンで、年数もある程度経っていて、本当によく鳴りますし、繊細なタッチにすべて応えてくれる楽器です。

だいぶ工夫していったつもりですし、後半の高音で始まる部分は、静かに静かに響かせたい、そして最後の部分は厚みのある温かい音、チェロの低音のような響きがほしいと思っていました。

私が１回弾き終わると、先生が「後半、こんな感じだとどうだろう？」と弾いてくださいました。

その響きを聴いた時、「静謐」という言葉が頭に浮かびました。静かで穏やかで本当に美しい。

「高音を弾いた時に、指を動かすと、響きが上がるけれど少し広がっていきます。これはほんとうに置くだけ。結果として、『そこに存在するだけ』の音が出ます。これは、弾く人も聴く人も非常に緊張感が必要になる音です。」

もう一度弾いてくださいました。「今、１段目は置くだけ、２段目はほんの少し動かしています。」

手首の力が抜けると響きが変わる

後半の２段。私の音は何だか薄い感じがしました。「もっと温かくて厚みのある音にしたいのですが、何だか薄くて。」と伺うと、「もう少し腕の重みを乗せてみたら？」ということでやってみました。

音は大きくはなりましたが、なにか違います。「もう少し回転させてみたら？」ということで、あれこれやっていたのですが、回転を意識しているうちに、ふと手首が固まっていることに気づきました。

ポジションを上げること、腕の付け根からひじまでの下側の筋肉を意識することに目が向いていたため、手首が固まっていました。

気がついて、手首の力を抜くと、響きそのものが大きく変わりました。

自由で豊かな表現を目指す

自分でイメージを作る時に、自分の持っている範囲で色をつけようとします。先生の音を聴くと、「もっとこんな色もある」「もっとこういう色合いもある」ということを毎回感じます。

ちょうど、１２色の色鉛筆と５００色もある色鉛筆の違い、さらに、色鉛筆よりももっと繊細にグラデーションがつけられる水彩画との違いです。

一昨日のガヴリロフの演奏もそうでしたが、１つ１つの音、そのものの幅をどれだけイメージでき、実際に演奏で表すことができるか。

そこにかかってくると、改めて思いました。自分でももっと自由な、もっと豊かな表現ができるようになりたい。

今週はそれを課題にしていきます。

昨日は、横浜までアンドレイ・ガヴリロフのリサイタルを聴きに行ってきました。

実は、なかなか言葉が出てきません。

どうしてだろう、とずっと考えていました。そして、ようやく、言葉ではない部分、言葉にならない部分で受け取ったものが多すぎて、言葉が出てこないのだということに、気が付きました。

一つ一つ、「批評する」ように書くことも、時には必要かもしれません。でも、あの演奏を聴いて、分析して批評的にあれこれ書くことに何の意味があるのだろう？と思いました。

ただただ「すばらしいものを聴いた！」という感動だけです。

どれほどの音色があるのだろう？ほんとうにさまざまな音が聴こえてくる。語りかけてくるような音、悲しげな音、楽しそうな音。1音ずつがほんとうに生きて意味を持っている、という感じ。

フォルテの時には、聴こえてくるだけではなく、響きが直接伝わってくる感じ。

音楽が一つの宇宙として、無限の広がりをもって感じられる、あの響きを直接聴くことができて、ほんとうに幸せでした。

あまりにすばらしくて、会場を立ち去り難く、並んでプログラムにサインしていただき、握手もしていただきました。

とても大きくて厚い手。この手からあの素晴らしい響きが出てくるのだと、また感心。

このプログラムは宝物です。

最後に、大阪のホールのチケット販売ページに掲載されてた御本人の文章の一部をご紹介します。

　 音楽に対する私の新たなアプローチは、直観的経験の積み重ねでアマチュア的になされてきた解釈方法を、 科学的レベルまで発展させるものです。
　科学的な研究により楽譜の奥に潜む作曲者の相貌にせまります。
　 つまり、作曲家の心理や動機を社会的、文化的、知的側面から真摯に解剖していくのです。
　 哲学、人類学、心理学、音楽心理分析、絵画、文学、詩など、 あらゆる人文科学を統合して広く深く学び知ることにより、唯一無二な真の音楽芸術の理解に到達することができるのです。

こうして音楽の中にある作品内容が隅々まで明瞭になった時、作曲家の意図に合致した音楽性を伴う新たな演奏レベルが生まれます。音楽が、一音一音聴衆に語りかけ始めるのです。
　 音楽自らが、自分の中に作曲家が何を置いていったのかの全てを話してくれて、音楽が生きたものとなるのです。このような演奏は音楽芸術が新しい意義を持つことを示し、深く理解することの大きな喜びをもたらし、世界中の文化水準を上げることでしょう。

　私の現在の課題は、広く多くの方々に、音楽言語を認識し表現するこの新たなメソッドをお伝えすることです。
　日本は、私がこのメソッドを聴衆に披露する最初の国の一つです。
　聴衆の皆様に是非、シューマンやムソルグスキーの思考を私の演奏を通して理解し辿っていただきたいです。音楽芸術への理解の新たなステージが開かれ、聴衆の皆様にも届くものと信じています。

http://www.kojimacm.com/digest/190704/190704.html

今日は6月30日、ちょうど2019年が半分終わったところです。ちょうど節目の日なのでこの半年を振り返り、残りの半年の目標をまた設定していきたいと思います。

「振り返る」というのは、節目節目で行っていくと自分自身のあり方がよく分かります。

今年の目標の進捗状況は？

1月に書いた目標には、次のようなことを書きました。進捗状況を書いてみます。

ピアノ教室としての抱負・目標 について

・生徒さんの音楽面、技術面の向上のために、自分の指導力をさらに磨いていく。
→自分のレッスンに継続して通うこと、指導のために本や動画で勉強しています。

・発表会を開催する
→8月に開催する予定で、準備を進めています。

・奏法についてブログでの発信を充実させていく
→こちらも継続して行っています。「充実度」を示すのが何か、よく考えていませんでしたから、回数だとしたら、少し少なめかもしれません。後半で、奏法についての発信回数を増やしていきます。

・動画をアップし、こちらでも発信していく
→これがあまり進んでいません。まだ１本ですから、後半の課題です。

自分自身のこと について

・指・腕・身体の使い方についてさらに学び、より美しい響きを見つけていく
→継続してレッスンに通い、さらに美しい響きを学び、意識して練習中です。

・４月の「葵の会」定期演奏会に向けて、今年は伴奏と作品発表という新しいチャレンジをしていく。
→無事、終わりました。歌詞のある「歌」の勉強をしたことで、音楽の感じ方が今までと変わってきた部分があり、とても勉強になりました。

・11月の先生の門下発表会に参加し、こちらもまた新しいことに取り組んでいく
→これは後半です。「新しいこと」には少しずつ挑戦中ですが、発表会に間に合うかどうか、今の段階でわかりません。

・Ray Lev先生の楽譜の中から、日本であまり紹介されていない曲を中心に取り組んでいく。
→こちらは、まだ取りかかれていません。後半の重点事項です。ただ、発表会までは、そこに注力していきたいので、８月以降の課題になります。

節目ごとに振り返り、次の段階を考えていく

こうやって振り返ると、後半に重点的に取り組んでいく課題が見えてきました。

今は８月の発表会が最優先です。その軸をしっかり持ちながら、他の目標に取り組んでいきます。

特に、動画を増やすことは後半の大きな課題であると考えています。

１つずつ、今の自分にできることを着実に進めていきます。

ふと気がつくと、このブログへの投稿も500記事を超えていました。１週間に５～６回のペースで更新しています。だいたい、朝、書くようにしているのですが、時には時間が遅くなることもあります。

「習慣化」はピアノの練習にも通じることですが、改めて「継続することの意味」を考えてみました。

生活リズムが決まる

習慣化すること、毎日同じ生活リズムで過ごすこと。これはとても大切だと感じています。

幼稚園や学校に行っているお子さんの場合には、「学校に行く」時間というのは、基本的に決まっているわけで、この場合は「それ以外の時間をどう過ごすか？」ということになっていきます。

私の場合には、朝、ブログの更新と掃除から1日の生活を始めます。ブログを先に書き始めるのですが、それに詰まる時もあって、そういう時は途中で一旦やめて、掃除をしてからまた続きを書いていきます。

掃除をして身体を動かしていくと、ブログの内容も違う視点から考えられるようになって、スムーズに書けるようになる。そんな効果もあります。

どちらにせよ、１日のスタートは「これ」というのが決まっていると、スムーズに始められるようになります。

優先順位が決まる

小学生の場合、３時過ぎの帰宅から８時～９時の就寝まで、約５～６時間。長いようで意外に短いですね。

その中でどう過ごしていくか？意識していくことが大切になっていきます。学童保育に通っているお子さんの場合は、もっと短くなります。

宿題もあります。生活に必要な食事や入浴の時間も必要です。お手伝いもあります。外遊びもしたいし、テレビも見たいし、場合によってはゲームもしたいかもしれません。

その中で、何を優先して考えていくか。それを自分でしっかり分かっていることがとても大切になります。

私の教室に来る生徒さんの多くは、ここをきちんと考えられているので、感心しています。

学童保育に通っているお子さんの場合は、「朝、練習します。」「夕食の片付けをしたら、すぐ練習します。」とお家で過ごす時間が短い中、工夫しています。

他のお子さんも、「学校から帰ったらすぐ練習します。」「宿題をやったらすぐ練習します。」など、それぞれしっかり考え、練習の優先順位が高くなっていて、これはうれしい限りです。

習慣で動く部分はとても多い

毎日の生活の４０％が習慣だという研究があるそうです。人によってはもっと高い割合だと言っている人もいます。

ですから、「どんな習慣をつけていくか？」というのは、長い目で見た時にはとても大きな差になっていきます。

せっかくなので、自分にとって良い習慣、プラスになる習慣をたくさん作っていきたいですよね。

私自身も、「ブログを書く」習慣は、定着しています。また他の習慣も定着させるべく、１つずつ積み上げていこうと思っているところです。

一般的に、中学生は、小学生よりも忙しいかもしれません。まず部活動。基本的に完全下校時刻が今の時期だと夕方６時ですから、そこまでは学校にいます。

行事も生徒が企画して放課後の時間を使っ準備していきますから、学校にいる時間がとても長い生活になります。

ピアノは良い気分転換

レッスンに来ている中学生も、とても忙しそうです。

吹奏楽部に入ったので、「この前の日曜日は１日部活だった」とか、「先輩たちが演奏するから、楽器運びでホールに行ってきた」とか、部活動の話題も多いです。

５月には体育祭もありました。近隣の学校は５月に行うことが増えてきましたが、１年生は入学してまだ間もないので、体力的に大変かもしれません。

塾に通うと、塾の宿題もあります。英検対策があり、英検も受けます。中間テストに期末テストの日程…。

話を聞いていても、充実感が伝わってくる反面「忙しそう」という思いもありました。

そんな中で、小さい頃から続けてきたピアノもきちんと練習しています。発表会に向けて譜読みをし、曲の最後まで弾けるようになってきました。

「ピアノは良い気分転換になっているようです。」とお母様もおっしゃっていました。

確かに、勉強での頭の使い方と、ピアノでの頭や身体の使い方は全く違います。好きなことでもあるので、良い気分転換になります。

ありたい自分の姿をイメージする

自分自身の時間の使い方、過ごし方を考える上で、ありたい自分の姿をイメージすることはとても重要です。

このありたい自分の姿のイメージは変わっても良いのです。中学生なら、多くの場合、変わっていくでしょう。

ただ、その時点での「夢」「希望」を持っているということ、そしてその夢や希望にに向けて今の自分の行動を考えていくこと、そのものが大切です。

先程の生徒さんの場合、自分の５年後のイメージをはっきり持っています。こういう仕事に就きたいから、大学でこういう勉強をしていきたい、というイメージです。

だから、今、忙しくてもそれを「充実感」ととらえ、楽しみながらせいかつすることができる。ピアノも好きだし、こういう曲を弾いてみたい、という目標もあるから練習できる。

それが今の段階でできているというのは、とてもすばらしいことだと考えています。

10年後をイメージしてレッスンする

去年今年にピアノを始めた、幼稚園生、小学生にとって、こういう中学生の存在は、自分の未来の姿を考える１つのモデルになります。

ピアノのレッスンで幼稚園生や小学校低学年の生徒さんに関わらせていただくということは、短くても６～７年、長ければ10年以上のお付き合いになります。

私自身も、中学生のこの頑張る姿、そして、中学校教員時代に見てきたたくさんの生き生きとした中学生の姿を思い描き、10年という単位で、５～７歳の生徒さんに接しています。

音楽を通して 豊かな「感性」と表現力を身につけること。練習の習慣をつけることを通して「勤勉さ・誠実さ」を身につけること。

さらに、「やればできる」という自己肯定感を、体感すること。

生きていく上で大切なこれらのことを身につけていく。そんな姿を思い描きつつ、日々レッスンをしています。